Pere Larrègula - Fotografía

10 "consejos" para sesiones fotográficas con modelos noveles

2012-01-09T15:34:00.003+01:00

Ya hice hace tiempo un post sobre los intercambios... así que intentare aclarar más cosas en este...

Lo más complejo de una sesión, es la gestión de modelos, y más aun si son noveles, así que intentare dar algunos “consejos” muy generales que os pueden ayudar a sobrellevarlo… aunque la mayoría son aplicables a cualquier sesión y son muy de sentido común... en los talleres lo vemos sobre la práctica, y es más fácil explicar por ejemplo que poses son adecuadas o como expresar de forma sencilla.

Antes de empezar debemos ser muy conscientes que hacer la primera sesión a una aspirante a modelo, puede condicionar su carrera… tanto por nuestra actitud y por lo tanto la imagen que generemos del fotógrafo, como por el tipo de fotografías que hagamos, así que hay que ser responsable y procurar ayudar en todo lo posible.

Hablare de modelos en femenino, pero evidentemente no están asociados al genero.

1) Antes de la sesión es muy recomendable hacer una reunión previa que permita romper el hielo y conocer al modelo en un ambiente distendido (preferiblemente evitar que sea el día de la sesión, aunque eso no siempre es posible). Es el momento ideal para poner en común las ideas que probablemente hemos comentado vía email o similar… y dejando claras las expectativas de ambos en la sesión. Evidentemente puede venir acompañada, tanto a la reunión como a la sesión, de hecho es recomendable para que se sienta segura. Si es posible lleva tu portfolio para que la modelo vea mejor tu trabajo y lo podáis comentar, eso suele dar más confianza.

2) Antes de empezar la sesión y con todo nuestro equipo preparado, haremos una pequeña charla sobre como vamos ha organizar la sesión, revisaremos el vestuario, hablaremos con la modelo conjuntamente con la maquilladora, peluquera y/o el estilista (repetiremos eso en cada cambio de vestuario para asegurar que todo esta en orden, e iremos dando pautas para el siguiente set mostrando si es necesario las fotos del previo). Tanto en esa charla como en la reunión previa, nos fijaremos mucho en las expresiones naturales del modelo, para posteriormente buscarlas en la sesión, eso nos asegurara que tendremos fotografías con expresiones propias. Si la modelo viene acompañada, procuraremos que este fuera de su línea visual, para evitar que condicione sus expresiones (que llegue a olvidarse), ya que suele ser más difícil gestionar a un modelo novel que además se siente observada por alguien cercano, por eso algunos fotógrafos prefieren no tener acompañantes o que al empezar la sesión salgan del estudio y regresen un rato después o hacia el final previsto de la sesión… si se queda, lo mejor es dejar claro al acompañante que es preferible que no intervenga en la sesión y que actúe como un mero espectador para no romper el ritmo.

3) Es preferible decir que no a una sesión por no llegar a un acuerdo, o porque no sea el perfil que buscamos, que hacerla a medias y que la modelo o nosotros pensemos que no quedaremos plenamente satisfechos. Además debemos recordar, que cuando hacemos una sesión de intercambio es de recibo salir ganando ambos (fotógrafo y modelo) o carecerá de sentido, por lo tanto, hay que explicar muy bien que esperamos de la sesión y que la modelo haga lo propio, así evitaremos que nadie se vea perjudicado o sienta que ha perdido el tiempo. Un intercambio es una responsabilidad, no la asumas si no pretendes sacar de ti lo mejor como fotógrafo, tengas el nivel que tengas (no generes falsas expectativas o a la larga te pasara factura).

4) Indistintamente del tipo de sesión (remunerada o de intercambio) el trabajo con modelos requiere de ciertas dotes de psicología y por supuesto buen hacer (eso que se suele llamar profesionalidad)… Así que hay que ser responsable y serio, preparar anticipadamente el equipo y tenerlo todo listo,… eso te dará confianza y se transmite esa seguridad al modelo. Una sesión no tiene que porque ser aburrida si eres serio y piensa que dependerá mucho de los primeros minutos y la charla previa, el como pueda ir la sesión, ya que puede condicionar la reacción del modelo durante la misma o bien que tarde demasiado en sentirse cómoda (y hasta que no este cómoda, las fotos probablemente tengan expresiones vacías), así que debemos ir poco a poco, sobretodo si somos demasiado extrovertidos o francos.

5) Una de las cosas más importantes a tener en cuenta en cualquier sesión es: respetar los espacios… si como suena y aunque parezca una tontería la modelo debe tener su espacio para sentirse segura y tranquila, así que, evitaremos las distancias cortas (la distancia ideal es que la modelo se da cuenta que ni estirando el brazo podemos tocarla). Debemos mantenerlo eso en todo momento y bajo ningún concepto tocaremos a la modelo por ningún motivo, ni para corregir su pose (ni rozarla), con lo que usaremos siempre indicaciones verbales o bien el espejo, que es la forma más sencilla, consiste en que nosotros realizamos el posado y la modelo nos copia como si se mirase a un espejo.

6) Suele ser complejo gestionar modelos en su primera sesión, los nervios juegan malas pasadas, así que deberemos plantear la sesión con más tiempo y tener muy claro que la primera media hora de la sesión (o más) será básicamente de toma de contacto y las fotografías resultantes no serán lo mejor de la sesión (cuanto más tiempo dediquemos a esta toma de contacto para generar un alto grado de empatía, mejor será el resultado final). Por lo tanto, deberemos planificar coherentemente el inicio, empezando por ejemplo con ropa de calle (tal y como venga a la sesión) y sin perder tiempo excesivo en maquillaje, ya que se sentirá más cómoda y además, empezar rápido romperá los nervios previos… el inconveniente es que eso mantendrá al modelo en una situación de espera (ya que tiene en la cabeza los estilismos que hemos comentado), así que tampoco debe prolongarse demasiado… dile que lo único que pretendes con esas fotos es ir viendo que luz es la más interesante, guiarla con las expresiones o posados… por ejemplo... e intenta que se relaje.

7) Lo ideal es empezar con fotografías de plano completo o medio (nunca con primeros planos), pensemos que la expresión facial es lo más difícil para la mayoría de modelos noveles y suelen verse mal siempre en sus primeros retratos de plano corto…, así que intentaremos que no las vea hasta que tengamos una “diferente”… en esta primera etapa tira de focales largas y procura estar lo más lejos posible de la modelo (pero que pueda oírte sin tener que gritar).

8) Una vez hemos roto el hielo y empieza a sentirse bien, deberemos entonces hacer hincapié en corregir algunos aspectos estéticos básicos del posado o la expresión, para que poco a poco, vaya tomando consciencia de ellos y por supuesto evitar en un principio todas aquellas poses complejas o forzadas (por norma, si no podemos hacer nosotros la pose, seguramente será forzada, así que descártala para empezar… las modelos no tienen por qué ser acróbatas). A partir de ese momento, es muy recomendable ir haciendo participe al modelo de lo que vamos haciendo, explicando la iluminación y el por qué la vamos cambiando, el porqué de cada pose y que cosas realzan de su atractivo, etc.., y en cada serie le iremos mostrando los resultados obtenidos sin recrearnos demasiado o estaremos influenciando su expresividad y posado con lo que ve en las fotografías.

9) No dejes de hablar, sobre cualquier cosa o explica lo que haces… piensa que debes generar un alto grado de empatía que permita que el modelo confíe en ti y tu criterio. Así que debes mantener a la modelo distraída de lo que es una sesión fotográfica hablando de temas triviales, pero al mismo tiempo guiándola en cada posado… lo ideal es plantear una historia para que se meta en el papel, sobretodo a nivel expresivo (no dejes nunca que pose a su “bola”, porque no sabrá que hacer, se pondrá nerviosa y repetirá sistemáticamente la misma pose)… es muy importante que la modelo, deje de pensar si lo hace bien o mal… así que anímala, para reforzar su confianza (pero nada de piropos, que no estamos para ligar)… y mucha paciencia… no hay que ponerse nervioso o impaciente si la modelo no entiende nuestras instrucciones al posar… pensemos que si no nos entiende, probablemente la culpa sea nuestra (si como suena…, no la sabemos guiar). Y sobretodo, no “vendas motos” en ningún momento, las modelos que empiezan agradecerán tu franqueza cuando hables de sus posibilidades como modelo, pero piensa que sus más allegados la han alentado a ello… o ella misma piensa que tiene muchas posibilidades… recuérdale que es muy difícil ser modelo profesional y mucho más vivir de ello en exclusiva, así que debe ir con calma para no meterse en problemas.

10) Y muy importante… Siempre, debemos hacer un acuerdo de cesión de derechos de imagen con el modelo y debe leerlo con calma antes del día de la sesión (por si quiere asesorarse). Si es un intercambio, debe aparecer en él, cuando entregaremos las fotografías y como serán estas (indicando el número de fotografías que entregaremos, resolución y el soporte)... recordemos que un intercambio es un compromiso mutuo. Y atención, el acuerdo de cesión de derechos de imagen no es un formalismo innecesario, la legislación es clara al respecto y recordemos que si es a un menor, un tutor legal debe estar presente y firmar también el acuerdo (es recomendable tener testigos del acto, tanto de la firma como de la sesión).

Y un consejo extra, si es tu primera sesión evita hacerla con una modelo novel, dos novatos en una sesión es difícil que se ayuden en algo… es preferible hacer tu primera sesión con una modelo con experiencia y que esta sea remunerada (no añadas la presión de tu primera sesión a tener que entregar luego las fotos… no es nada recomendable, ya que puede condicionar tu futuro como fotógrafo e incluso para conseguir intercambios… piensa que no suelen ser buenas fotos y una modelo con experiencia es consciente de ello. Piensa además que las fotos si no son buenas, como mínimo, por parte de la modelo no será y tu te podrás centrar en mejorar tu técnica y aprenderás de tus errores).

Saludos

10 "consejos" para las aspirantes a modelo

2012-01-08T21:28:00.000+01:00

Como cada día aparecen casos de fraudes o falsos fotógrafos que engañan a modelos o que tienen oscuras intenciones, se me ha ocurrido preparar una lista rápida con 10 "consejos" para las aspirantes a modelo (espero que os sea útil):

1) Siempre debes pedir o buscar referencias cuando un fotógrafo o agencia te plantee una oferta de colaboración o trabajo. Pide esas referencias a otras modelos que hayan colaborado o trabajado con el fotógrafo o la agencia si es necesario, mira su página WEB, o su perfil de agencia de fotógrafos (en algunas aparece si el fotógrafo esta o no certificado, es decir, si ha facilitado a la misma sus datos fiscales que lo acreditan como fotógrafo profesional... no es una garantía de seriedad y profesionalidad pero es un principio).

2) Desconfía de los fotógrafos "profesionales" que no te pueden facilitar un teléfono fijo, su dirección o tienen cuentas gratuitas de email (hotmail, gmail, yahoo, etc…), ya que no puedes validar su propietario. O de aquellos que no te quieran emitir factura por sus servicios si los contratas para tu book.

3) Establece siempre las condiciones de la sesión por escrito (ya sea con un contrato o con un acuerdo de cesión de derechos de imagen si es un intercambio). Siempre debe quedar muy claro el fin de la sesión y el uso final de las fotografías. El acuerdo debe incluir el nombre completo y el DNI del fotógrafo y de la modelo.

4) Si eres menor de edad debes siempre ir acompañado por un tutor legal y este debe también firmar el acuerdo con las condiciones de la colaboración y estar presente durante la sesión.

5) Si no conoces al fotógrafo o no tienes referencias, pero aun así te parece interesante su propuesta, acude a las sesiones acompañada, aunque luego tu acompañante no este presente durante la sesión (ya que puede ser un motivo de distracción para ti), pero que vea el lugar y al fotógrafo.

6) Debes tener muy presente que dejar "colgado" a un fotógrafo o una agencia, concretando una sesión o casting (remunerada o no) y luego no presentándote a ella, puede echar por tierra tu futura carrera como modelo… se consecuente (si no lo tienes claro, simplemente no te comprometas).

7) Si quieres un book usando como canal el TfP o TfCD (intercambios), asegúrate que lo realizas con buenos fotógrafos y evita que las fotografías alteren tu aspecto (o no te servirán como portfolio hasta que tengas en él trabajos comerciales)… un fotógrafo profesional debe tener muy claro que tipo de fotografías debe incluir un book para una agencia, y por supuesto no incluyen desnudos, semi desnudos o lencería, ni expresiones con marcado tono erótico.

8) Debes dar el máximo en cada sesión, sea o no intercambio, ya que la opinión que tengan de ti los fotógrafos puede condicionar futuros trabajos (los fotógrafos profesionales también pedirán referencias sobre tu comportamiento y profesionalidad, al margen de revisar tu portfolio).

9) Esfuérzate por aprender a posar y sobretodo a expresar (que es más difícil)… e intenta aprender cosas nuevas en todas las sesiones en las que participes… Cómo en cualquier trabajo la experiencia es muy importante y una cara guapa no lo es todo.

10) Sé realista con tus posibilidades como modelo. Hay tipos de trabajo para los que se requieren unas características muy concretas, infórmate bien… aunque en otros no es así… intenta tener claras tus posibilidades y hacer tu book en consecuencia.

Seguro que pensándolo un poco más me aparecen más consejos… quizás escriba sobre ello un día de estos…

La Iluminación en Retrato (II)

2011-11-07T15:11:00.000+01:00

En el anterior artículo vimos algunos ejemplos de retrato con reflectores pensados para moda y cosmética (aunque como es evidente se pueden utilizar para otras cosas, claro)… Así que para este artículo he pensado que puede ser interesante ver cómo hacer retratos con una sola fuente de luz y lo más simple posible, con reflectores estándar (luz dura) y ventanas (luz difusa), que no quiere decir con ello que el resultado no sea interesante. Soy de la idea, que cuando empiezas, antes de utilizar una segunda fuente de luz es muy interesante intentar sacarle todo el partido posible a una sola (y hay muchísimas posibilidades), ya sea con la luz del Sol, el flash externo en cámara, con este separado de la misma o bien con un solo flash de estudio y una ventana sencilla (o sin).

La búsqueda del fondo blanco
Antes de empezar quitémonos algunas obsesiones… Para algunos fotógrafos es casi una obligación conseguir el fondo blanco perfecto en estudio… de ese blanco muy blanco, que parece que es imposible, de hecho sobreexpuesto… y que no existe realmente en ninguna situación… bueno, como se puede deducir de mis palabras, yo no soy muy partidario de esos fondos tan blancos, al margen de que en algunos casos generamos otros problemas al intentar hacerlo. El primero es que para conseguirlo se suele recurrir a iluminar el fondo por separado y con un paso más de intensidad que sobre la luz principal que ilumina al modelo, sin tener en cuenta que la luz rebotara en el mismo restando contraste a la escena, o lo que es peor, quemando como consecuencia el contorno del modelo por la suma de luces (la que rebota del fondo sumada a la que recibe el modelo y que confluye en los laterales), esto muy visible en el pelo. En segundo lugar porque para iluminar el fondo correctamente con dos fuentes, hay que tener en cuenta también la suma de luces producida por la luz principal, y que las fuentes de luz iluminaran de forma desigual el centro que los extremos, dando lugar a centros muy luminosos con un cierto “viñeteo” en las esquinas o todo lo contrario, laterales muy luminosos con un centro menos luminoso… Estos problemas son más evidentes cuando queremos hacer fotografías de cuerpo entero, para los planos de tres cuartos y cortos es mucho más fácil conseguir el efecto deseado… pero hay que ir con cuidado.

Así que nada de iluminar el fondo de momento… aprovecharemos la única fuente de luz para hacerlo todo… simplicidad.

Ley Inversa del cuadrado
Para entender cómo hacerlo y antes de seguir, haremos un repaso a la Ley Inversa del cuadrado de la distancia… ya que es un concepto imprescindible para trabajar con la luz. Es muy sencillo y procurare simplificarlo al máximo.

Para empezar, esta ley, nos dice que la intensidad de una fuente de luz puntual disminuye el cuadrado de la distancia que recorre con respecto a la fuente de luz y que esta, además iluminara un área mayor equivalente también al cuadrado de la distancia. Por ejemplo, si medimos una fuente de luz a 1m, y esta nos da una medición de f/8, si medimos la misma fuente de luz a 2m el resultado será f/4 (o lo que es lo mismo, 4 veces menos luz, el cuadrado de la distancia), pero además, la zona iluminada será 4 veces mayor a 2m que a 1m.

Así que… a jugar con la ley inversa…
Si queremos iluminar el fondo de forma uniforme y tenemos una sola fuente de luz, lo más simple es jugar con la ley inversa para darle al fondo la luz que más nos interese en cada caso. Pondré un esquema para explicar cómo nos afecta la ley inversa con un ejemplo práctico y que nos servirá para obtener el resultado que buscamos con una sola fuente de luz…

Nota: La distancia a la que se coloque el fotógrafo no afecta al resultado, ya que medimos la luz que cae sobre el modelo en cada caso y al modelo solo le afecta la distancia con respecto a la fuente de luz.

Como se puede ver los resultados son muy diferentes en el fondo:
A. Si usamos una fuente de luz puntual, como en el esquema, para el primer ejemplo tendremos un fondo casi negro. Cuanto mayor sea la distancia del modelo al fondo y menor de la fuente de luz al modelo, más oscuro será el fondo… incluso, totalmente negro. En este caso el fondo recibe 16 veces menos luz que el modelo, o lo que es lo mismo 4 pasos menos.
B. En este caso tenemos una distancia equivalente entre el fotógrafo y el modelo vs el fondo, lo que nos dará como resultado un fondo gris, más o menos neutro. El fondo recibe 4 veces menos luz que el modelo, o lo que es lo mismo 2 pasos menos.
C. Y por último, podemos obtener un fondo blanco… y será más blanco cuanto más lejos este la fuente de luz con respecto al modelo, en función de la distancia que este el modelo del fondo. Ahora, nunca será el fondo más blanco de lo que ya es de entrada, cosa que a mi modo de ver es como debe ser. El fondo recibe menos de 1/3 menos luz que el modelo en este caso.

Y eso es aplicable a cualquier color de fondo… y en el esquema se muestra cómo afecta una luz puntual… si la fuente de luz es de mayor tamaño, la caída de luz será mucho más lenta, con lo que tendremos con mayor facilidad un fondo blanco.

NOTA: Las fotografías que aparecen como ejemplos son ejercicios realizados en los Workshops de Iluminación en Estudio que imparto… con lo que son fotografías que carecen de retoques elaborados y en estos casos se pueden realizar con cualquier equipo de iluminación.

Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Profoto Octa 5

Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Zoom (Luz dura)

Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Zoom (Luz dura)

Nota: En este caso, y como es un ejercicio del Workshop de Iluminación, hay un segundo flash, como luz de efecto, con un reflector Zoom con un panel de abeja del 5 para dar un ligero toque de brillo al pelo, pero que no afecta al tono del fondo.

Como podemos tratar las sombras proyectadas en el fondo
Siguiendo con la premisa de la simplicidad, la mejor forma de evitar las sombras que proyecta el modelo con una sola fuente de luz, es que estas queden por detrás del modelo, vamos que no sean visibles en nuestro encuadre o bien hacer que la luz incida en el ángulo diferente al que realizaremos nuestro encuadre, con lo que, además de no ver la sombra proyectada obtendremos un degradado en el fondo, ya que veremos en él como la luz se va perdiendo hacia los extremos.

Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador portátil Profoto AccuteB2 con una cabeza de flash Profoto con un reflector estándar (Luz dura).

Nota: En este ejemplo es en una localización, unos billares que tienen un fondo poco interesante para que aparezca en un encuadre cerrado, así que opte por aislarlo dejándolo lo más oscuro posible, sin perder por eso el contorno del pelo. El ángulo del flash ofrece un ligero degradado que nos ayuda a separar a la modelo del fondo.

Mantener la sombra para dar sensación de suelo
Y luego está el ángulo… Lo primero que nos pasara si ponemos la fuente de luz muy plana o recta, es que esta ara que se proyecte la sombra justo detrás del modelo y esta será más o menos del mismo tamaño que el modelo. Puede ser interesante, pero si el modelo separa las piernas en planos completos nos encontraremos que las sombras son visibles entre ellas, limitando mucho nuestro encuadre, así que nos veremos obligados a encuadres de cómo máximo tres cuartos (por encima de la rodilla)… y muy rectos… vamos, que debemos tener claro que no podremos variar el ángulo de toma de la fotografía, o veremos la sombra del cuerpo paralela al modelo en nuestras fotos.

La solución más simple es hacer que la luz este picada, provocando dos cosas con ello, en primer lugar que la sombra sea más baja que el modelo, y que esta quede a sus pies, dando con ello sensación de suelo (que es muy interesante), o tendremos la sensación que el modelo está volando.

Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Hensel y una cabeza de flash Hensel con un reflector Octa y muy alejada.

Nota: Las sombras apenas son visibles ya que hemos utilizado una fuente de luz filtrada, una Softbox.

En el siguiente ejemplo podemos ver, para el mismo esquema que el anterior ejemplo, como la tela difusora suaviza las sombras hasta el punto de casi desaparecer… en este caso solo hemos quitado la tela difusora, y aparecen las sombras.

Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Hensel y una cabeza de flash Hensel con un reflector Octa y muy alejada.

Nota: Es la misma fuente de luz que el anterior ejemplo, y el mismo esquema, la diferencia es que para ver las sombras hemos quitado la tela difusora de la Softbox (o utilizamos solo una de las dos que incluyen, con lo que tendremos la luz algo más dura).

Pero picada, ¿cuánto?
Pues dependerá de la distancia que tengamos para hacer las fotografías (la potencia de los mismos) y el tamaño de la fuente, que nos obligara a subir más o menos la misma. Luego debemos tener en cuenta que el centro de las fuentes de luz son más intensas que los extremos (la distancia al motivo, no es la misma al picar la luz, vamos la distancia de la fuente de luz a la cabeza y a los pies), así que debemos tenerlo en cuenta y luego aprovecharlo en nuestro beneficio. Lo segundo es que la fuente podamos ponerla lo suficientemente lejos, como para tener la menor variación de luz posible con respecto al fondo (y en el modelo, exista además poca variación entre su cabeza y sus pies). Para estar seguros lo ideal es usar un flashimetro, más que ideal diría que imprescindible, ya que la percepción que tendremos mirando la pantalla de la cámara de la caída de luz es engañosa y difícil de ver… así que nada de prueba y error o no será precisa la iluminación que buscamos.

Al colocar la fuente partiremos de la premisa que la luz, en una superficie plana, rebota en el mismo ángulo en el que incide y que el blanco rebota la mayor parte de la luz que recibe, así que aprovecharemos la luz que rebota en el suelo que está delante de la modelo para igualar la iluminación, sobre todo si no tenemos distancia suficiente… (Cuanto más lejos y más grande sea la fuente será mucho más fácil (ley inversa)… y en cuanto a picarla, no más de 45 grados, o tendremos algunas sombras en la cara)… Y por último, el cómo sea la luz… si usamos luz dura tendremos sombras más oscuras, y si usamos luz suavizada o filtrada (usando ventanas – Softbox), tendremos unas sombras más suaves y difusas.

Y por último, aunque no tenga nada que ver con la iluminación… en los planos cortos aseguremos un enfoque preciso a los ojos… y si es posible evitemos las lentillas, o tendremos este efecto extraño en el iris.

** Publique este artículo en el nº3 de la Revista MirrorMagazine ** MIRRORMAGAZINE

La Iluminación en Retrato (I)

2011-11-07T15:08:00.000+01:00

La diferencia fundamental entre un gran retrato y uno pasable no reside en el modelo como muchos podrían pensar… vamos que muchos piensan que con un modelo guapo o guapa la fotografía es buena seguro… pues yo no estoy de acuerdo, ya sé que es una opinión muy particular, pero a mi modo de ver en ese caso la foto será agradable a la vista, pero eso dista mucho de ser buena solo por el modelo.

Contemos o no con un o una modelo atractiva, debemos ante todo, tener claro que pretendemos expresar con el retrato y eso no es simple… y jugar con la luz en consecuencia, ya que no será lo mismo hacer un retrato para cosmética, moda, prensa o social, con carácter o simplemente una foto de carnet… y no solo es importante tener claro el destino de la fotografía, sino los medios que disponemos en cada caso, o los que deberíamos disponer si queremos hacer bien las cosas… y sobretodo que rasgos queremos acentuar u ocultar del modelo… y ahí la iluminación juega un papel fundamental (no todo es maquillaje y Photoshop).

Para empezar no pretendo hacer una tesis, ni un tratado, de lo que debe ser técnicamente un retrato o como debe ser iluminado, faltaría más, además no podría… solo dar algunos consejos que yo personalmente considero interesantes para intentar, que no siempre conseguir, retratos ajustados al destino de las fotografías, sin depender para ello del post proceso, que puede ser muy complejo o evidente y por lo tanto mi única intención siempre es obtener el mejor resultado posible con la iluminación… y como en un único articulo es complicado, por espacio, lo hare en varias entregas intentando explicar diferentes formas de ver el retrato…

Al grano… Si queremos, por lo tanto, buscar con la iluminación el resultado final, hay algunos conceptos deben estar muy claros, por ejemplo hay que tener en cuenta la iluminación que disponemos para el retrato, ya que no será lo mismo usar flashes que la luz del Sol, entre otras cosas por la obturación, porque con flash, si es la luz principal, será prácticamente imposible trepidar una fotografía, ya que el destello es muy rápido, mucho más que la obturación, algo a tener muy en cuenta si queremos retratos muy nítidos, sobretodo en planos cortos, en distancias cortas (y pensemos que si queremos buenos retratos, nítidos y con resolución, la distancia al motivo es muy importante, y por lo tanto debemos minimizarla todo lo que podamos, eso sí, sin forzar perspectivas que puedan resultar extremas)... luego tener clara qué profundidad de campo es la adecuada para el retrato en cuestión, y teniendo en cuenta que trabajamos, como decía, en distancias cortas… y por supuesto el encuadre (aunque tengamos reglas claras para el retrato, debemos jugar con el mensaje que queremos transmitir y si es preciso “romper” esas reglas si buscamos un mensaje más agresivo o diferente, en definitiva: la composición, y saber jugar con el “aire” es fundamental). Luego lo más importante, conseguir un enfoque preciso, cosa que es más difícil de lo que parece y como norma diremos que es fundamental obtener retratos con los ojos bien nítidos (enfocados), por lo menos uno de los ojos, y si solo tenemos uno por profundidad de campo (si así lo queremos), en ese caso, es recomendable que sea el más cercano (hay que pensar que si hay profundidad en la fotografía, ese ojo se vera proporcionalmente más grande, si la distancia al modelo es muy corta)… Otra cosa que debemos tener claro es como iluminar y sobre ese tema saber unos principios que nos ayudaran a obtener el resultado esperado. En primer lugar cuando hablamos de luz dura o suave, y simplificando, no es otra cosa que como se comportan las sombras…, lo explico brevemente: cuando decimos que la luz es dura (Sol directo, o Flash directo) es porque las sombras que se proyectan, en este caso en un retrato, son oscuras (por ejemplo la nariz en la mejilla se ve muy oscura, la barbilla sobre el cuello si el flash esta picado, etc…), y cuando hablamos de luz es suave (luz difusa, o filtrada) es porque las sombras son más claras, más grises… o casi inexistentes.

Pero eso no es todo, ya que la distancia a la que este la fuente de luz, cuando es un flash es muy importante, y no solo por la caída de luz que tengamos dependiendo del tamaño de la fuente (Ley Inversa), sino por cómo se comportaran las sombras por ese motivo, como principio podemos decir que cuando la distancia a la fuente de luz es mayor, las sombras que proyecta el motivo son largas y poco definidas, y cuando es menor son cortas y muy definidas (con el Sol no podemos hacer nada en cuanto a su distancia, obvio…, así que debemos adaptarnos a ella y saber antes que luz nos ofrece en cada momento del día por su ángulo, la época del año y por supuesto dependemos de la climatología)… Como ya sabemos, hay que tener en cuenta otras cosas para un buen retrato, entre esas está el ángulo en el que incide la luz del flash sobre el modelo vs la posición del fotógrafo (evidentemente) y si este está picado o contrapicado, que nos afecta muchísimo para transmitir un mensaje concreto, por ejemplo, si la luz es recta y frontal, obtenemos mucho tono (los colores se ven más vivos) y por el contrario nada de textura (imagen es plana, sin sombras). Conforme el ángulo en el que incide la luz al motivo se va desplazando hacia los lados (con respecto al fotógrafo) o hacia arriba (contrapicado) o abajo (picado), vamos teniendo cada vez más texturas (sombras), y menos tono o color… cuando hablo de textura, quiero decir que por ejemplo se proyecta la parte externa de los poros de la piel en el interior, por eso se ven, el vello es más visible y por supuesto cualquier pequeña imperfección… y pensemos que la piel no es perfecta…). Todo esto es muy obvio cuando usamos flash, pero también debemos tenerlo en cuenta cuando usamos la luz día. Y no se me olvida, cuando todo lo tenemos muy controlado, nos queda medir correctamente la luz, si no queremos hacer multitud de pruebas hasta tener la exposición correcta… cosa nada recomendable ya que rompe el ritmo de las sesiones… Bueno, de todo esto y más iremos hablando en sucesivos artículos como ya he comentado…

El flash o la luz del Sol…
La verdad es que hay muchas formas de ver este tema, están los que prefieren no usar nunca el flash y jugar con luz natural, el que prefiere hacer un mix sumando ambas (y jugar con la suma de luces), el que piensa que solo debe usarse el flash como principal y el que piensa que solo es interesante que sea como relleno… Si te has identificado con alguno de estos grupos, en exclusiva, siento decirte que te estás limitando… porque lo importante de verdad es como usar la luz que podemos crear (flash) o la que tenemos (luz día)… entre otras…, conocer las ventajas e inconvenientes que pueden llegar a ofrecer cada una y actuar en consecuencia para obtener buenos resultados… pensemos que los principios son los mismos en todos los casos y solo cambia como podemos modificar esa luz y su duración (otras cosas son mucho más fáciles de modificar hoy en día, como la temperatura de color, el tono o el contraste, así que eso debería preocuparnos menos, pero no olvidarnos de ello)… Lo que es evidente, es que si usamos flashes tendremos un control absoluto de la dirección, la intensidad y por supuesto podremos modificar la misma a nuestra conveniencia (cosa que es una ventaja más que evidente)…, de todas formas, como no descarto ninguna iluminación, en cada artículo intentare poner ejemplos de cómo podemos jugar con la luz teniendo en cuenta el objetivo final, y en este caso nos centraremos en el contraste de la luz…

Retrato de cosmética y/o belleza
En el primer ejemplo, imaginemos que queremos un retrato limpio, sin imperfecciones, lo que suele llamarse una imagen plana, ideal para cosmética y/o belleza… en este caso el flash es la solución más fácil, pero más que el flash, la posición del flash, ya que necesitamos tener la fuente de luz lo más frontal posible al motivo, justo encima del fotógrafo, o a un lado, pero muy cerca de él, para evitar las sombras, ya que no queremos ver la sombra de la nariz en la cara de la modelo. Luego tener claro el reflector que usemos en flash, buscando uno que nos ayudara a reducir todo lo posible el contraste y que por lo tanto las sombras que obtengamos sean lo más suaves posibles, evitando así con ellas “ensuciar” el rostro (por ejemplo, para hacer que los poros de la piel no proyecten sombras oscuras en su interior y que los hagan muy visibles).

Para conseguirlo usaremos un flash como decía frontal, lo más común es una ventana o softbox, pero lo más efectivo es utilizar un reflector que se llama Beauty Dish (Softlight White), que es totalmente blanco, no solo un difusor blanco como en una softbox, y además, al ser luz rebotada contra una placa frontal blanca, y luego devuelta la luz contra el cono del reflector que también es blanco, nos ayudara a restar el contraste (la transición de blanco a negro es más lenta o suave), dando sombras muy claras o casi nulas. Al Beauty Dish incluso podemos ponerle un difusor o tela traslucida para hacer las sombras aun más suaves, como si fuese una softbox. El resultado son fotografías muy suaves, con lo que son muy interesantes cuando nada más es significativo en el retrato que la piel o los ojos...

Modelo: Marta Eres
Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Profoto SoftLight White (Beauty Dish) sin difusor

Modelo: Helena Hernández
Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Profoto SoftLight White (Beauty Dish) sin difusor

Una solución casera seria hacer que el flash incida sobre una superficie blanca a 45 grados y colocar al modelo a 45 opuestos de la superficie (donde cae el rebote)… y nosotros ponernos en medio evitando proyectar sombras. No obtendremos el mismo resultado por las características cónicas del reflector que evita que perdamos luz por los lados, pero si una imagen con poco contraste.

Retrato de moda y/o peluquería
Pensemos que necesitamos un retrato que tenga un rostro muy plano y con poco contraste, pero tener el pelo o la ropa con textura al mismo tiempo, por ejemplo para peluquería. Este caso requiere dos fuentes de luz, que pueden ser perfectamente un flash y la luz del Sol… o bien 2 flashes… una fuente la usaremos como en el caso anterior, muy frontal y con un reflector de flash que reste contraste en la cara y otra fuente de luz para dar textura al pelo o la ropa (aparezcan sombras en esas zonas que nos darán la textura).

Para conseguirlo podemos complicarnos mucho la vida y obtener resultados muy espectaculares con 2 o más flashes, pero vamos a simplificar al máximo (no lo más complejo ofrece mejores resultados siempre)… así que usaremos para la cara lo mismo que en el caso anterior y añadiremos un reflector de luz para incrementar el contraste en el pelo o la ropa. El reflector debe ser plata, ya que así incrementara el contraste que no tenía la luz principal, acentuando la textura donde incida su reflejo, proporcionando en esas zonas sombras definidas, además nos ofrece un ratio bajo, será menos intenso el reflejo que la luz principal, con lo que no generara sombras en el rostro. Debemos colocar el reflector de luz plata en un lado del modelo orientándolo hacia el pelo o la ropa (según nos interese) y ligeramente adelantado, que aprovechara la luz sobrante del reflector de flash principal… lo que haremos es variar su ángulo de incidencia, para que caiga lateralmente sobre el modelo (para colocarlo correctamente, pensemos que la luz rebota en una superficie plana en el mismo ángulo en el que incide)… Con esta solución obtendremos texturas donde nos interese, pero tendremos un problema si no lo ponemos correctamente, y es que aparecerá en el ojo del modelo 2 puntos de luz (el flash y el reflector), así que en ese caso solo será interesante en planos de busto o medios (el ojo se ve pequeño en la fotografía), ya que en primeros planos será muy evidente ese segundo punto de luz que, seguramente, nos romperá el blanco de los ojos, obligándonos a un retoque del mismo, o bien veremos el reflejo del reflector plata en la pupila o el iris (que complica el retoque para planos cortos).

Pero como siempre en fotografía hay soluciones para todo (o casi siempre), en este caso contar con un reflector que nos ofrezca ambas cosas con una sola fuente de luz… y si existe… es del fabricante MOLA y se puede adaptar a cualquier a flashes de muchas marcas, incluso tiene soporte para flashes de zapata. Este reflector nos ofrece un resultado muy completo, dando volumen con un solo flash, jugando con la degradación dando como resultado una imagen a mi modo de ver muy realista o tridimensional... A continuación pongo unos ejemplos usando un reflector MOLA Demi, un MOLA Euro y un MOLA Mantti. El MOLA Demi tiene una medida ideal para planos cortos y de busto, el MOLA Euro para planos hasta 3/4 y el MOLA Mantti para planos completos . Esos reflectores por su diseño en ondas nos ofrecen “textura” en los lados del retrato (ya que fuerzan a la luz a incidir en diferente ángulo, a diferente distancia y diferente tamaño) y un centro de luz más suave frontal si usamos el difusor translucido, como en el primer ejemplo (además, podemos intercambiar el panel frontal que es un difusor y usar además del traslucido, uno opaco blanco para que rebote la luz como en un Beauty Dish, o uno perforado que reparte la luz al 50% entre los lados y el centro usado en los otros dos ejemplos… vamos que dependiendo de lo que necesitemos con un solo reflector de flash nos vale).

Modelo: Adriana Fernández Garcia – MUA: Tono Sanmartin (con la Colaboración de LLUM Studios e Innovafoto)
Equipo: Phase One 645DF con respaldo: Leaf Aptus-II 12 y Schneider Kreuznach 110mm f2.8
Iluminación: Generador Profoto PRO8A, una cabeza Profoto ProHead con un reflector MOLA Demi frontal y otra cabeza Profoto ProHead con un reflector Zoom con un panel de abeja del 10” y un filtro rojo contra fondo negro.

Modelo: Lena Antón
Equipo: Phase One 645DF con respaldo: Leaf Aptus-II 12 y Schneider Kreuznach 110mm f2.8
Iluminación: Profoto PRO8A y una cabeza Profoto ProHead con un reflector MOLA Euro

Modelo: Sandra Romero
Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Profoto PRO8A y una cabeza Profoto ProHead con un reflector MOLA Euro
NOTA: Es un recorte para que se vea mejor el detalle del pelo.

Modelo: Adriana Fernández Garcia – MUA: Tono Sanmartin (con la Colaboración de LLUM Studios e Innovafoto)
Equipo: Phase One 645DF con respaldo: Leaf Aptus-II 12 y Schneider Kreuznach 110mm f2.8
Iluminación: Generador Profoto PRO8A, una cabeza Profoto ProHead con un reflector MOLA Euro frontal y otra cabeza Profoto ProHead con un reflector Zoom con un panel de abeja del 10” y un filtro rojo contra fondo blanco.

Nota: Las fotografías que aparecen como ejemplos no tienen retoques (bueno, solo curva de contraste y una ligera corrección del balance de blancos por un tema de gustos), además son sencillas, realizadas en mis Workshops de Iluminación y en sesiones TfP… La idea fundamental de estos ejemplos, es ver con más claridad las diferencias que hay con los reflectores utilizados… aunque parecen sutiles, las más evidentes se ven en los detalles de la piel (con las imágenes al 100%) y sobretodo del pelo y la ropa entre el Beauty Dish y los reflectores MOLA, al margen de notarse en las sombras, que casi desaparecen en el centro cuando usamos un reflector MOLA pese a no estar este totalmente centrado, y cuando hablo de los detalles, me refiero a que son más evidentes y las sombras, es fruto de la variación de ángulo y degradación que producen las ondas de los estos reflectores, se ven más “realistas”, menos planas… De paso aclarar que aunque la mayoría de fotografías con estos reflectores sean en medio formato, a este tamaño no se ven las diferencias de resolución que tiene dicho formato.

** Publique este artículo en el nº2 de la Revista MirrorMagazine ** MIRRORMAGAZINE

Reflexiones sobre como comentamos las fotografías

2011-04-10T12:54:00.000+02:00

Desde hace bastante tiempo estoy empeñado en cambiar una dinámica, sobre el cómo se comentan las fotografías en los foros... en definitiva como se comentan entre fotógrafos, aficionados o profesionales... creo que la mayoría de comentarios ayudan muy poco al que empieza y nada al que tiene experiencia (o todo lo contrario)... Y aunque sé que es una batalla perdida, intento que se miren las fotografías con la cabeza y el corazón, no solo con los ojos...

Todo esto viene a mi empeño por conseguir un colectivo, tanto de aficionados como de profesionales, que realmente se ayuda, sin envidias ridículas que carecen de sentido, con absoluta franqueza y con el máximo respeto por el trabajo o el hobbie de los demás.

Bueno, al lio....

¿Por qué comentamos las fotografías centrándonos solo en aspectos puramente técnicos o de reglas de composición? que además muchos de los que las comentan no entienden y se limitan a repetir la cantinela sistemáticamente... ¿Por qué no comentamos las fotografías en términos de sensaciones?

Ya sé que parece más complicado, pero no es así... y es mucho más enriquecedor ese tipo de comentario para el que muestra su fotografía e incluso para el que escribe el comentario, ya que se auto obliga a centrarse y reflexionar sobre la fotografía y lo hará mejorar sustancialmente es sus propias fotografías, en lugar de buscar supuestos defectos técnicos que en la mayoría de casos, o son subsanables, producidos por falta de experiencia o sencillamente buscados por algún motivo en particular..., pero como es evidente, el que lo comenta no tiene claro a priori si es una cosa u otra… porque eso de que las fotos no se explican no se aplica entre fotógrafos viendo una foto fuera de su contexto y “puliéndola” buscando defectos.

Y porque os digo esto, porque creo que muchos no entienden para que y porque están las reglas de composición y se limitan solo a citarlas o seguirlas a pies juntillas sin saber porque… Diréis, es solo una cuestión de tiempo no comentarlas de esa forma… yo sinceramente no lo creo. Pero seguro que a vosotros os gustaría que os dedicaran ese tiempo y esa sensibilidad para ver vuestras fotografías.

Si comentamos las sensaciones que nos transmiten las fotografías e intentamos aportar otros aspectos técnicos que pensamos refuerzan el mensaje, sin ser el centro del comentario, eso sí que sería un gran aporte, y ayudaría mucho más al que empieza a entender que es esto de la fotografía y que la fotografía es un mecanismo más que tenemos para plasmar sensaciones, momentos, cotidianos o no… y eso si que le da un sentido al hecho de hacer fotografías como afición (como trabajo es fundamental).

Como reflexión inicial decir que las fotografías, fundamentalmente, nos deben gustar a nosotros mismos y en caso de ser de uso profesional, a nuestros clientes (y por extensión, a los clientes de nuestros clientes les deben transmitir algo, si hacemos fotografía publicitaria, y ahí es en muchos casos para el público en general que no ve la fotografía pensando en reglas de composición)…

Luego está el aficionado que sube fotos al foro por intentar mejorar su autoestima como fotógrafo y esos comentarios sobre reglas lo desconciertan, ya que no van asociadas a una explicación y en muchos casos, la explicación no es correcta o demasiado parcial…, pero tampoco tenemos en cuenta si lo que pretendía es arriesgar rompiéndolas intencionadamente para buscar otras sensaciones al que vea su fotografía. En otros casos es solo una reafirmación publica de su aprendizaje, pero como nadie sigue su evolución al comentar una fotografía (salvo amigos o conocidos), los comentarios no le aportan nada… y si lo único que espera es aprender más en base a comentarios, se encuentra que siempre son los mismos y tampoco le aportan demasiado, etc…

Hay que pensar que si hacemos fotografías para otros (los no fotógrafos), que es la mayoría de los que ven fotografías (ya que el porcentaje de fotógrafos es muy inferior), nunca las verán con los ojos del que empieza en fotografía y esta encorsetados por las reglas de composición que tanto les han machacado en los foros con ese tipo de comentarios…, verán en definitiva, lo que le dicen esas fotografías, si les transmiten algo y si el mensaje es claro… si le gustan o no en conjunto, pero sin los condicionantes de conocer las reglas de composición y otros aspectos técnicos.

Porque las reglas (que no normas) de composición están pensadas, para que sepamos a priori, que es visualmente más agradable y para transmitir sensaciones concretas, o para ayudarnos a componer dando consejos sobre cómo nuestro cerebro tiende a leer una fotografía (y muchos no tienen claro el porqué real de esas reglas)…, pero para nada debemos hacer actos de fe sobre ellas, ya que no nos garantizan buenas fotos, solo fotos “correctas” técnicamente hablando y eso es tremendamente subjetivo si nos ceñimos a las reglas… que no necesariamente serán buenas fotografías, pero lo que seguro no garantizan, en absoluto, es que siguiéndolas transmitan algo.

Si hacéis un repaso a fotografías de prestigiosos fotógrafos veréis que muchas veces son precisamente ellos los que más transgreden de forma consciente esas reglas de composición y es porque buscan transmitir cosas mucho más concretas que la generalidad que nos aportan las reglas que harían esas fotografías más anodinas o demasiado generales, sin fuerza (un concepto muy utilizado en fotografía pero de difícil explicación y muy subjetivo)…

Algunos ejemplos rápidos, hay muchisimos...:

Niña Afgana, por Steve McCurry

De este retrato en un foro dirían: “Los ojos/cara está muy centrada”, “está ligeramente girada vs el fondo”, etc…, pero esta precisamente en esa posición y con ese “aire” para obligarnos a leer la foto completa y no darle más peso a los ojos del que ya tienen… Al margen de que parece un recorte de la fotografía original, ya que en prensa se acostumbra a dejar aire por arriba, imprescindible para maquetar una portada sin destrozar la fotografía (como es el caso).

Muerte de un miliciano, por Robert Capa

Dejemos de lado si la fotografía está preparada o es la muerte real del miliciano… En un foro dirían de ella “hay demasiado aire que no aporta”, “están cortados los pies y la escopeta”, “esta movida”, “le falta nitidez”, “tiene mucho grano” y cosas por el estilo…

Pero, que es lo que hace creíble y de peso a esta fotografía a todos los efectos como documento histórico…, pues precisamente lo que se criticaría en un foro y es que no cumple reglas de composición al completo, dando a entender precisamente que no está preparada (aunque lo esté, que yo no lo se seguro), que muestra un momento único e irrepetible, donde lo importante es captar ese instante sin cuestionarnos si es o no el mejor encuadre posible (Capa podría haber reencuadrado la fotografía, y no lo hizo…, porque lo que menos importan son las reglas en estos casos).

Iggy Pop, por Annie Leibovitz

En un foro dirían “la composición no sigue la mirada”, “hay mucho aire a la izquierda en relación al lado derecho”, “las manos están cortadas”, “las sombras de la cara son muy duras”, “está cortada la cabeza”… ¿Y no os dice nada de Iggi Pop esta foto?... seguro que un NO fotógrafo ni se daría cuenta que las manos están cortadas, o la cabeza, ya que le daría más peso al mirar la fotografía a lo curtido que es su torso donde las venas parecen casi cicatrices de años de escenarios, lo vivido que parece en definitiva, y por lo tanto las experiencias y esa expresión entre dura y cercana a la vez… En este caso, para mí el corte de manos es simplemente para que no se lleven la atención en el retrato, porque en este caso despistarían más que aportar seguramente, desviando el centro de atención que es el torso y la mirada hacia ellas…

Willie Nelson, por Annie Leibovitz

Bueno, más de lo mismo, “el aire no sigue la mirada y falta aire a la derecha”, “el fondo de la izquierda despista”, etc… desde luego lo que no se puede decir es que Annie Leibovitz no conozca las reglas de composición. En este caso realza la espesor del pelo, lo cuidado vs lo castigada y reflexiva que es su expresión… lo distante que parece… pero seguro que os dice más cosas… Y pensemos, porque es así… bueno, de entrada parece la portada de un disco (CD), así que es posible que tenga más de un sentido ese encuadre.

O esta fotografía también de Annie Leibovitz – Retrato por encargo a la Reina Isabel II de Inglaterra

.Esta simplemente me parece una maravilla, y está basada en un cuadro a otra reina del siglo XVIII…

Pues tampoco cumple reglas de composición si nos ponemos puristas, al margen que el jarrón de la izquierda cortado se lleva atención, o que parece ligeramente sobreexpuesta su cara si nos ponemos muy puntillosos (cosa que es hasta ridícula)… En definitiva, nos ponemos a buscar defectos, cosa que no entiendo...

La fuerza que tiene esta fotografía es como utiliza los puntos fuertes de una forma magistral, obligándote a leer la fotografía en sentido contrario al que lo veríamos normalmente, de derecha a izquierda… A mi modo de ver, nos da una imagen de la reina muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados, contraria de echo… fijaros en los detalles, a mi particularmente me transmite soledad, tristeza… da la sensación de que pese a su inmensa fortuna desearía salir a pasear al jardín como uno más, que se despojaría de todo aunque solo fuese por un día… me transmite ese anhelo, como si la carga de la corona fuese muy pesada… la hace cercana, pese a ir enjoyada hasta la saciedad… Es una imagen muy publicitaria y la luz es francamente fantástica.

¿Pero entonces hay que saltarse las reglas?
Cuando alguien se salta las reglas por desconocimiento, se ve, fundamentalmente porque la fotografía transmite sensaciones demasiado ambiguas y sin ningún orden (y para darse cuenta de ello, hay que conocerlas muy bien... y eso no es nada fácil). Pero si le decimos que es lo que transmite es ambiguo, pueden pasar que sea lo que pretende el autor, o bien por desconocimiento ha plasmado esas sensación…

Y si además de comentar el mensaje en base a sensaciones, le decimos el porque la vemos mal sumando información técnica sobre la composición, seguro que lo haremos reflexionar mucho más (pero conociendolas, no el me han dicho) … de paso nos ayudara a entender mejor, o como mínimo, nos ayudara a saber si realmente conocemos las reglas de composición o solo nos limitamos a citarlas y nada más, sin conocerlas profundamente, no ayudan esos comentarios a nadie.

Lo que no deben hacer nunca las reglas es ahogar o limitar nuestra forma de ver el mundo y como lo plasmamos en nuestras fotografías, ya que eso es lo que nos hace realmente únicos, y el resto es pura imitación forzada por seguir las reglas de forma estricta y casi mecánica.

Cuando hablamos de desnudo o de fotografía artística, o incluso obra de autor, no tiene mucho sentido regirnos por ellas y menos dejarnos seducir por su simplicidad aparente, sino utilizarlas o no, para romper o reforzar un mensaje… ahí es donde reside la diferencia entre mera fotografía y arte fotográfico.

Me temo que darle caña a los que empiezan sobre las reglas de composición de forma machacona sin explicar el por qué existen o como en su caso ha variado el mensaje o las sensaciones que transmite, es absolutamente contraproducente, ya que creamos fotógrafos autómatas dirigidos por reglas y que solo se ven capaces de valorar fotos en base a las mismas y por lo tanto están poco dispuestos a crear libremente o incluso a verse libres para interpretar lo que intentan expresar otros con sus fotografías… vamos que solo ven reglas, con lo que se vuelven críticos por rebote (repiten lo que les han dicho sobre sus fotografías, sin tener muy claro el porque existen esas reglas)…

Rompamos esa dinámica de comentarios simplones sobre las reglas o centrados en aspectos técnicos, salvo que el autor lo pida específicamente porque reconoce no conocerlas, seguro que todos salimos beneficiados.

Lo único que pretendo con todo esto es que veáis las fotos sin pensar que sois fotógrafos, seguro que os resultara mucho más sencillo y enriquecedor ver como otros ven el mundo a través de sus cámaras y seguro que si se dejan llevar, no lo verán todos igual.

Y como ya dijo antes alguien: “No puedo darte la clave del éxito en fotografía, pero si la del fracaso, y no es otra que intentar que le gusten a todos tus fotografías”.

Saludos

Más en Canonistas

La exposición Digital aplicada a las Zonas de Ansel Adams

2011-04-10T12:33:00.000+02:00

Aunque en principio puede parecer complicado, intentare explicar de forma muy sencilla, como utilizar, sin demasiadas complicaciones el Sistema de Zonas de Ansel Adams, que nos permitirá exponer correctamente en cualquier situación utilizando la medición puntual de nuestra cámara DSLR.

Lo importante es tener claro que es un proceso que requiere tiempo de aprendizaje y afinado en la observación de las escenas por parte del fotógrafo, pero se hace cada vez más sencillo conforme lo vas poniendo en práctica. Este sistema lo que procura es que el fotógrafo traslade lo que ve al equivalente fotográfico, siendo lo más objetivo posible y para conseguirlo estableceremos referencias de medición sencillas.

El fotómetro de la cámara (exposímetro) nos muestra de lo que “ve” en función de su calibración, que por cierto, está basada en gris neutro, y no es otra cosa que cualquier material que refleje el 18% de la luz que recibe (adelantándonos al tema decir que está en la Zona V). Por eso cuando hacemos una fotografía a una cartulina blanca ocupando todo el encuadre la vemos subexpuesta (gris) y si hacemos lo mismo en una cartulina negra la vemos sobreexpuesta (gris).

Aquí tenemos las Zonas de Ansel Adams con una pequeña reseña para que tengamos referencias que utilizar en el día a día (y que con el tiempo iremos ampliando con la experiencia):

Zona 0: NEGRO PURO – Sin luz

Zona I: NEGRO CERCANO – Negro sin textura o detalle. Es un tono gris casi negro. Por ejemplo una zona muy oscura de sombras sin detalle.

Zona II: NEGRO CON TEXTURA O DETALLE – Son los tonos más oscuros con detalle. Sombras que tienen algo de detalle, es la zona donde queremos tener el primer detalle al exponer.

Zona III: GRIS OSCURO – Aquí si tenemos sensación de detalle o textura. Por ejemplo la madera oscura de un árbol, telas oscuras, piel negra en la sombra, sombras en paisajes, etc… Lo importante en esta zona, es que aun estando en sombras, se reconocen las texturas de los materiales.

Zona IV: GRIS – Primera zona de tonos medios. Por ejemplo encontraremos la piel caucásica en la sombra cuando hacemos fotos con luz día o con flash de estudio, zona media de un bosque oscuro, hierva en días nublados, piedras y materiales oscuros y paisajes en la sombra.

Zona V: GRIS MEDIO o NEUTRO – Por ejemplo una carta de Gris Neutro que refleje un 18% de la luz que recibe, la piel morena iluminada por el Sol, el tronco de los arboles a la luz del Sol.

Los fotómetros se calibran para esta Zona y los sistemas de medición de las cámaras.

Zona VI: GRIS MEDIO CLARO – Final de la zona de tonos medios. Por ejemplo, la piel de la cara caucásica, la palma de la mano, piedras claras (por ejemplo de rio), la nieve en una zona de sombras con luz del sol.

Zona VII: GRIS CLARO – Inicio de la Zona de tonos altos. Por ejemplo la piel muy clara (nórdica), la nieve no pisada y limpia con Sol lateral o rasante (debe notarse la textura de la nieve por ejemplo), una pared blanca que recibe luz del Sol lateral de días soleados o difusa pero directa en días nubosos, paisajes a pleno sol y abiertos (a modo de promedio).

Zona VIII: BLANCO CON TEXTURA O DETALLE – Por ejemplo en esta zona están los brillos en una cara caucásica y nórdica (las partes más claras de una cara) pero con textura, o una pared blanca con detalle que le da la luz directa e intensa, la textura de la nieve.

Zona IX: BLANCO SIN TEXTURA O DETALLE – Por ejemplo el cielo totalmente nublado que se ve muy claro pero que no se distinguen texturas en las nubes, la nieve con el sol directo.

Zona X: BLANCO PURO – El blanco puro del papel fotográfico y las fuentes de luz.

Aplicar el Sistema de Zonas para exponer:
Usaremos esta fotografía: No es la mejor fotografía posible, además hoy tenemos un día bastante gris… es desde el balcón de casa. Es solo para ilustrarlo el ejemplo (cuando pueda la cambiare por una más vistosa).

La pasaremos a B/N para que sea mucho más claro ver cómo hacerlo, así no nos despistaran los colores. En ella veréis que están indicadas las zonas que hemos visto más arriba.

Antes de empezar recordemos que el exposímetro de la cámara entiende la posición “0” como Gris Neutro 18% - Zona V.

Pues es muy sencillo… empezaremos por las luces altas y utilizando la medición puntual.

ZONA IX: Tenemos una Zona de luces altas sin detalle, es justo en las nubes donde el Sol es intenso restando toda la textura a la nube (se ve casi como un punto de luz). Ahí tenemos la Zona IX. Si quisiéramos medir ahí es delicado y poco recomendable, porque estamos al límite del rango dinámico y porque si resulta que esa Zona realmente es la VIII en lugar de la IX, cosa que no es siempre fácil de ver, estaremos sobreexponiendo la escena. No obstante, si lo hiciésemos, debemos indicarle a la cámara que estamos midiendo sobre la Zona IX, indicándole la diferencia entre la Zona que nuestro exposímetro entiende como Gris Neutro, Zona V… Así que la diferencia entre la Zona IX y la Zona V midiendo en esa zona colocaremos el exposimetro en +4.

ZONA VIII: La siguiente Zona de luces altas ya es con detalle, por ejemplo en esta foto las nubes que reciben luz y se distingue claramente la textura, diremos que está en la Zona VIII. Si queremos medir en esta zona, calculamos la diferencia entre la Zona VIII y la Zona V, con lo que midiendo en esa zona colocaremos el exposimetro en +3.

ZONA VII: Ahora estamos en los primeros grises, los más claros y los más sencillos de encontrar. En este caso tenemos en la Zona VII el marco de una ventana blanca que no recibe luz directa (el día es nublado), por favor leed la nota. En este caso haremos lo mismo, calculamos la diferencia entre la Zona VII y la Zona V, con lo que midiendo en esa zona colocaremos el exposimetro en +2.

NOTA: Medir en un objeto tan pequeño es imposible, así que no lo hagáis, recordad que la medición puntual es aproximadamente entre un 2,4% y un 3,5% (dependiendo de la cámara) y el marco de la ventana es demasiado pequeño, así que es solo ilustrativo. Si revisáis el histograma desde el Photoshop veréis que en esta escena la Zona VII es la que contiene menos información.

ZONA VI: Esta es la zona que nos resultara más sencilla en la mayoría de situaciones en las que aparezcan personas por ejemplo, la piel caucásica, la palma de nuestra mano están en esta Zona. En el caso de la fotografía que tenemos como ejemplo la pared del frente que aparece en primer plano es Gris Medio Claro que esta en la Zona VI. Así que debemos calcular la diferencia desde la Zona VI a la Zona V, con lo que midiendo en esa zona colocaremos el exposimetro en +1.

ZONA V: Aquí es donde tendremos más problemas para determinar que partes de una escena se corresponden con el Gris Neutro, o lo que es lo mismo, zonas que reflejen el 18% de la luz que reciben. En este caso tenemos una pared, así que será sencillo medir sobre esta zona y como no hay cambio de zona colocaremos el exposimetro en 0.

ZONA IV: Esta es la primera zona de tonos medios. En esta zona encontraremos la media de un bosque denso o las zonas de sombra que encontraremos en un paisaje con luz día. En este caso tenemos una zona de césped denso y que no recibe la luz del sol directa. En este caso calcularemos la diferencia entre la Zona IV y la Zona V, con lo que midiendo en esa zona colocaremos el exposimetro en -1.

ZONA III: En esta zona empezamos con los tonos más oscuros, pero lo importante de esta Zona es que debe ser reconocible la textura de los elementos. Aquí tenemos otra pared, en este caso de obra vista muy oscura y en un día nublado. Aquí haremos lo mismo, calcularemos la diferencia entre la Zona III y la Zona V, con lo que midiendo en esa zona colocaremos el exposimetro en -2.

ZONA II: Esta es la zona que ya consideramos como negro, pero con un mínimo de detalle. En este caso tenemos el tronco de un árbol en la sombra, si ampliásemos la zona veríamos como se distingue ligeramente el detalle del tronco, pero poco más. En esta zona volvemos a tener dificultades para determinar con facilidad la Zona. Si medimos en esta Zona, calcularemos la diferencia entre la Zona II y la Zona V, con lo que midiendo en esa zona colocaremos el exposimetro en -3.

NOTA: Insisto en el tema, perdonadme por ello, pero medir en un objeto tan pequeño es imposible, así que no lo hagáis, recordad que la medición puntual es aproximadamente entre un 2,4% y un 3,5% (dependiendo de la cámara) y el tronco de un árbol lejano como el del ejemplo es demasiado pequeño, así que es solo ilustrativo.

ZONA I: Aquí ya no tenemos detalle, es una zona Negra sin ninguna textura. En la fotografía de ejemplo tenemos la zona de sombra profunda que hay en el ciprés de la izquierda (que apenas se ve en la imagen). Debemos evitar medir en esta zona. No obstante si lo hiciésemos deberíamos calcular la diferencia entre la Zona I y la Zona V, con lo que midiendo en esa zona colocaremos el exposimetro en -4.

Fracciones de paso al exponer
Pero pensareis…, y que hay de las fracciones de paso al exponer, ¿no se usan?. Por supuesto que sí, os pondré un ejemplo que podéis usar como referencia: La palma de la mano, sabemos que está en la Zona VI (+1), pues la variación en fracciones la podemos asociar a la intensidad de la luz, por ejemplo: podemos decir que con Sol rasante o lateral y en días nublados la palma de la mano nos dará 1/3 menos (se acerca al gris neutro), así que tendremos que compensar en +2/3 y si por el contrario la palma de la mano recibe una luz muy intensa compensaremos en +1 y 1/3 (se aleja de la Zona VI)… En la mayoría de días y situaciones +1 (Zona VI) como hemos dicho. Esto nos servirá para afinar en casos concretos.

Saludos

Más en Canonistas

La composición en fotografía

2011-04-10T12:12:00.000+02:00

Se habla mucho de las reglas de composición, pero como tal no son reglas, y mucho menos de obligado cumplimiento, son solo una serie de recomendaciones o guías, basadas en como los seres humanos interpretamos las imágenes… por convención les llamaremos reglas de composición, pero que eso no nos confunda llamarlas así.

De hecho existen auténticos tratados sobre estas “reglas”, pero la mayoría de aficionados descartan esas lecturas por que suelen liarlos más que aclarar conceptos. En muchos casos nos encontraremos que la interpretación de ellas puede diferir en algunos conceptos para cada uno, porque no se establecen claramente cuáles de ellas son más significativas o tienen más peso que otras, ya que depende en gran medida del motivo. Luego esta cuando una fotografía acapara un número importante de “reglas”, que puede dar lugar a una armonía casi mágica o un autentico caos…

NOTA: Tengo pocas fotografías en el portátil, así que tiro de Flickr… os aviso, allí no tengo muchas fotos que ilustren las reglas con ejemplos claros… En cuanto pueda hare fotografías especificas para ilustrar cada “regla”.

La composición, todo un arte
Existen una serie de aspectos a tener en cuenta, las mal llamadas reglas de composición, que nos ayudan a captar la atención de una determinada forma y que hacen que al observador se le traslade, evoque o convierta esa percepción de la imagen en sensaciones o sentimientos. Así que para componer de forma correcta, es decir, para transmitir con una fotografía lo que queremos, es muy útil utilizar esos mecanismos o consejos que llamamos reglas, en definitiva esas reglas no son más que mensajes subliminales muy guiados hacia el cerebro del espectador.

Cuando se dice que se rompen reglas, no es del todo cierto, ya que se rompen unas para apoyarse más en otras…, y cuando se dice que están para romperlas, nunca es cierto ya que se rompen las más conocidas o fáciles de identificar, y eso solo es posible hacerlo cuando sabemos distinguirlas en una fotografía, que no siempre es fácil, o bien porque nos apoyamos en otras para variar el mensaje… porque romperlas todas nos daría una imagen abstracta o que difícilmente se entendería el mensaje.

Así que nos centraremos en una serie de consejos o cosas a tener en cuenta para componer, que si queréis podéis llamarles reglas por costumbre. Simplificare mucho, pero creo que puede ser útil para los que empiezan y quieren rápidamente entender algunas…

El motivo
Lo principal en fotografía es dejar claro cuál es el centro de interés o que queremos mostrar, por ejemplo, si hacemos una fotografía a una persona, debemos procurar que no tengamos elementos que distraigan la atención, con lo que debe quedar claro que ese es el motivo, ahora, ni debe estar en el centro (pese a decir que es el “centro” de interés”), ni tiene porque ser lo que ocupa la mayor parte del encuadre, aunque como ya veremos eso choque con otras recomendaciones o reglas.

Para conseguirlo tenemos varias opciones, las más sencillas son jugar con la profundidad de campo o cerrar el encuadre… Partamos de la premisa que esta regla solo pretende que el observador sepa de qué va la fotografía en cuestión, nada más y nada menos que eso.

El encuadre
Aunque parezca una tontería el encuadre marca como se interpreta la fotografía. Los encuadres horizontales evocan quietud y calma salvo que el motivo diga lo contrario, claro…, y son más utilizados en paisajes que no muestren movimiento y grupos de personas. Un encuadre vertical da vigor, fuerza, autoridad… y es más utilizado en retratos, al margen de que sigue las proporciones del cuerpo con mayor facilidad, tanto en planos cortos como largos. En paisajes, por ejemplo, si queremos darle fuerza a una cascada o a un árbol como centro de atención una solución es hacer la fotografía vertical.

Los encuadres inclinados o diagonales otorgan dinamismo, movimiento y/o fuerza extrema, así que si queremos dar a la imagen esa sensación es bueno tenerlo en cuenta, pero deben ser diagonales del todo o se convierte la imagen en confusa o caída, sobre todo si la escena tiene línea de horizonte clara que no se corresponde con esa diagonal.

NOTA: La mayoría de cámaras siguen proporciones rectangulares, por eso hablamos de horizontal o vertical… No obstante también podemos tener un encuadre cuadrado, en este caso, como nuestra visión no se ajusta a esas proporciones nos dará una sensación de geometría o simetría que puede ser muy útil o bien una sensación de armonía irreal muy utilizada en composiciones abstractas o que carecen de un orden por reglas de composición.

Rellenar el encuadre
Esta regla choca con lo que decíamos del centro de interés o el motivo, y nos dice que lo ideal es que intentemos llenar una parte importante del encuadre con el motivo principal o llenarlo por completo.

Ahora, ¿qué hago, sigo la del interés o la del rellenar?... La verdad es que es simple, por ejemplo, en el primer caso “el interés” pude ser algo pequeño que ocupa una parte menor del encuadre, pero resulta que no hay nada que distraiga la atención, o algo que refuerce el concepto de pequeño (por ejemplo un insecto en una hoja) y por eso nos podemos permitir la licencia de hacer que no ocupe una parte importante del encuadre.

El caso de rellenar por el contrario, lo debemos utilizar cuando es inevitable que otro motivo centre la atención y distraiga en el encuadre o bien cuando el centro de atención es único y de mayor tamaño, por ejemplo, queremos hacer un retrato y detrás hay un letrero luminoso que despistaría en la composición y además no podemos jugar con la profundidad de campo porque es muy cercano, en esos casos es mejor cerrar el encuadre para que el motivo principal, la persona, tome todo el centro de interés y el resto de motivos pasen a un segundo plano sin cobrar interés por sí mismos.

Enfoque selectivo
Es un recurso creativo o artístico para resaltar el motivo que hace fijar la atención del observador sobre él, ya que el cerebro tiende a ignorar aquello que no está enfocado ya que le resulta demasiado confuso... para conseguirlo se utiliza una profundidad de campo reducida. Como recurso es el más utilizado en todas las disciplinas de la fotografía, salvo en paisaje, ya que se tiende a trabajar con la hiperfocal y por lo tanto no tenemos desenfoque.

En este caso sobre la cara

Angulo de la toma
Nos aporta un juego de perspectivas que permite variar la atención o desplazar con ello el motivo. Hay que tener en cuenta que las personas tienen una visión a alturas similares, es decir, que siempre vemos las cosas desde un ángulo similar, así que cualquier alteración de ese ángulo provoca una visión del motivo que puede ser muy creativa como recurso, reforzando la composición y por lo tanto las sensaciones.

Recto - cuando la posición de la cámara esta a la altura del centro del encuadre del motivo a fotografiar. Se utiliza mucho en retratos para no alterar las proporciones por perspectiva, así que aporta una sensación realista.
Cenital – por encima del plano y perpendicular – la cámara a 90º por encima del motivo.
Picado – cuando la posición de la cámara está por encima del plano recto, fotografiamos de arriba hacia abajo sin llegar a ser cenital.
Contrapicado – lo contrario al picado, de abajo hacia arriba.
Rasante – o toma a ras, que no es otra cosa que hacer fotos a ras del suelo o del motivo.

Picado

Contrapicado

Las líneas, curvas y convergencias
Las líneas son, muy probablemente, el recurso más utilizado para reforzar un mensaje y se utiliza principalmente para dirigir la mirada del que ve la fotografía hacia un motivo concreto.

Lo sencillo es utilizar la perspectiva de un motivo secundario para reforzar el principal, por ejemplo si queremos hacer una fotografía de un coche utilizar las líneas que genera la carretera para darle más peso o las de un edificio jugando con la perspectiva. Si las líneas paralelas tienden a juntarse en un punto, hablaríamos de convergencia de líneas, por ejemplo si utilizamos las vías del tren que por efecto de la distancia, perspectiva llegan a parecer juntarse o vemos que tienden a juntarse, o los márgenes de un rio vistos desde un puente, o un retrato usando una pared que hará que sus líneas converjan sobre el motivo.

El flujo y movimiento
Es como podemos hacer que la mirada del que ve una fotografía se desplace de un punto a otro de la misma usando líneas o al mismo motivo para conseguirlo, o bien dando sensación de movimiento aun cuando en la composición no hay un espacio que nos ayude. Aunque no es algo fijo, cuando las líneas son verticales u horizontales hablamos de flujo estático, y cuando hablamos de líneas diagonales decimos que la imagen tiene un flujo dinámico.

Para el flujo de movimiento, otro ejemplo podría ser si hacemos una fotografía a un coche de carreras en un circuito cuando este está en la recta, la fotografía en diagonal le dará más dinamismo que si la hacemos horizontal, pero el flujo real lo puede llegar a determinar la sensación de movimiento o de ausencia de movimiento, por ejemplo, si hacemos un barrido o por el contrario congelamos la imagen… y la fotografía seguirá teniendo un flujo aunque encerremos al motivo dentro del encuadre sin dejar aire en ningún lado.

En ambos casos obligamos al que ve la fotografía a leerla siguiendo una dirección, la dirección del flujo, pero en el barrido centramos mucho más la atención sobre el motivo porque el fondo esta movido.

La dirección
Es muy parecido al flujo, pero en este caso utilizamos el “aire” para mostrar la dirección hacia la que se desplaza o ve el motivo, aunque ese espacio sea vacio. Lo que hace es crear la sensación de movimiento aunque este no exista, ya sea del motivo o de hacia dónde mira el motivo. Recordemos que en fotografía los motivos que siguen una dirección, parecen estar en movimiento, pero no lo están realmente, ya que capturamos un instante concreto, a esa sensación la llamamos dirección.

Si ponemos el mismo ejemplo que con el flujo, imaginad un coche de carreras que está parado en la línea de salida, si dejamos aire o espacio por delante de el, le estamos dando una dirección a la imagen, que nos da a pensar que ese coche se moverá en cualquier momento… El ejemplo más claro lo vemos en retratos de perfil, donde el aire por delante de los ojos indica la dirección de la mirada, hacemos con ello que el que ve la foto se centre en esa dirección, pero le de forma o dirección a la mirada.

Las repeticiones
El juego de las repeticiones de motivos iguales o de igual tipo tiene sentido cuando queremos plasmar la sensación de unidad del conjunto… El ejemplo más claro es cuando hacemos una fotografía a un grupo de personas, si por ejemplo dejamos espacios o planos irregulares entre ellos esa sensación de unión desaparece. Si jugamos con las formas de los motivos repetidos las sensaciones que ofrecen son diferentes.

El ejemplo que más veréis es poner hileras de productos aparentemente iguales o iguales que son parte de un conjunto, los ladrillos de un edificio, las sillas de un cine, los colores de una caja de lápices, etc… todos ellos dan esa sensación de unidad.

Las agrupaciones
Hay mucha teoría sobre las agrupaciones en fotografía, pero lo que parece tener un peso especial para nuestra percepción, son las agrupaciones de elementos siguiendo los números primos a partir del 3 (5, 7, 11, 13,…) o solo de 3 elementos, aunque se suele hablar normalmente de impares a partir de 3 (1 no es un grupo, jeje). Las agrupaciones pares suelen dar sensación de exceso de equilibrio y menor dinamismo.

El color
Usar el color para transmitir sensaciones es un recurso muy utilizado. Es sumamente importante usarlo de forma coherente, la mezcla de colores cálidos y fríos suele dar confusión o un mensaje poco claro cuando estos tienen un reparto equitativo. El efecto del color en la interpretación del espectador, depende en gran medida de aspectos psicológicos, así que no será siempre una regla fija, pero si muy efectiva en la mayoría de casos.

Por ejemplo, si usamos como fondo de un retrato colores fríos le damos a este un aire más tranquilo, y si por el contrario usamos colores cálidos, le damos un toque más agresivo… Ahora en el retrato la expresión reforzara, como motivo principal, el mensaje que nos da el color o lo hará ambiguo o engañoso.

El contraste y el tono
El contraste produce en el observador un nivel de interés diferente dependiendo de cuantos cambios de contraste tengamos, de la textura de los motivos o de los cambios de color asociados a los cambios de contraste, dándole más intensidad o menos a la composición.

Si usamos tonos contrastados, claro a oscuro, le dará más peso a los elementos más oscuros para un mismo color y la imagen tendrá más fuerza, eso es muy visible en retratos, decimos que da carácter. Si queremos suavizar la composición deberemos tener un contraste menor y por lo tanto igualar más los tonos, menos contrastados. Y si lo hacemos tanto en el motivo como del resto de la composición tendremos una imagen muy armónica, que transmite paz, sosiego, tranquilidad.

Cuando queremos dar más contraste usando el color y no el tono claro-oscuro, utilizaremos colores lo más alejados posibles en el circulo cromático, para resaltar elementos de la composición, por ejemplo, el rojo y el cian están en lados opuestos.

Los tercios
Quizás la más conocida de las mal llamadas reglas y la que tiene más excepciones. De hecho se suele afirmar que es una simplificación pensada para fotografía de la Proporción Áurea, por lo complejo de componer pensando en dicha proporción.

Para entender lo que son los tercios debemos dividir la imagen en 9 cuadros equivalentes, que son las divisiones horizontales y verticales, tercios.

Se suele entender o simplificar esta regla solo para paisajes, donde jugamos con la línea del horizonte y dejamos la mayor parte de lo significativo o de interés de la fotografía apoyada sobre dos de los tres tercios. Por ejemplo, si el paisaje no es uniforme y el cielo con nubes y claros significativos, decimos que el cielo tiene más interés que el suelo o refuerza el paisaje y por lo tanto dejamos que el cielo ocupe dos tercios y un tercio el suelo. Si por el contrario el cielo no es destacable, el típico día despejado, decimos que debemos darle más peso al paisaje que al cielo, haciendo que este ocupe dos tercios y el cielo un tercio o menos.

Pero los tercios nos ofrecen además los puntos fuertes… ¿y donde están y que son?, pues son los puntos de intersección de los tercios y sirven para centrar la atención sobre el motivo. La regla nos dice que si queremos destacar o centrar la atención sobre el motivo, lo que debemos hacer es colocarlo en uno de los puntos fuertes, y no usar el centro del encuadre para ello.

Un ejemplo que no es un paisaje, que el punto fuerte refuerza el enfoque, aunque la mirada no siga una dirección marcada por el aire a la derecha, al margen de eso, la mano del fondo, pese a estar muy desenfocada, tiende a despistar del motivo... es un ejemplo de tercios que no cumple con otras reglas:

Ver Proporción Áurea.

NOTA: Lectura de los puntos fuertes se realiza de forma concreta en aquellas fotografías que tienen todos sus puntos fuertes enfocados o en el mismo plano: En occidente las imágenes se leen siguiendo estos puntos fuertes, de izquierda a derecha y luego de arriba abajo (el patrón de lectura se sigue de forma diferente dependiendo del modo de escritura, ya que mirar fotografías, o imágenes en un determinado orden es puramente cultural o de aprendizaje, las reglas como la dirección nos guían para mirar esas imágenes en otro sentido, pero el inicial es ese).

El espacio negativo
Se dice que una fotografía tiene espacio negativo cuando la superficie de aire es muy superior al motivo, y este está apoyado en puntos fuertes (en uno o dos).

El espacio negativo suele utilizar un fondo uniforme, blanco o negro y nos transmite una sensación de soledad muy acusada, y cuando es un retrato, al margen de soledad y dependiendo de la expresión, también, miedo, dolor, angustia, etc…

No es muy utilizado, ya que es opuesto al rellenar el encuadre, pero hay situaciones en las que es interesante tenerlo en cuenta.

La profundidad
Se suele confundir con el enfoque selectivo, pero en este caso el fondo debe tener importancia y un enfoque razonable para que sea identificable, pero evitando que existan puntos que llamen excesivamente la atención (sin despistar). En retrato en exteriores debemos tenerlo en cuenta, ya que el juego de la profundidad de campo nos ayudara con este efecto.

Por ejemplo, queremos hacer un retrato delante de un edificio, o en un calle… lo importante es el motivo, en este caso la persona, pero el fondo nos dice algo de la persona, ya sea el edificio o la calle y por lo tanto debe ser distinguible pero sin tener el enfoque pleno o confundiría y haría la imagen muy anodina. Es muy útil apoyarse en líneas para reforzar el retrato.

Nota: es una fotografía típica de moda y bastante tonta, la verdad, y en este caso no usa los puntos fuertes directamente, pero se apoya en ellos para dar sensación de conjunto.

La Proporción Áurea (también llamada la Divina Proporción)
Muy interesante, pero compleja de aplicar en composición fotográfica es la Proporción Áurea, algunos la llaman la formula matemática de la belleza, al que le interese profundizar os recomiendo que leáis sobre ella.

De entrada deciros, que existen muchas discrepancias sobre si debe componerse una escena pensando en ella o es una consecuencia inevitable de aquellas fotografías que consideramos armoniosas o bellas y especialmente agradables a la vista. En cualquier caso, lo que está claro es que algunas obras de arte siguen dicha proporción, entre ellas la Mona Lisa de Leonardo da Vinci o la Torre Eiffel de Paris y en fotografía por ejemplo “The Var Depertment” de Henri Cartier-Bresson, la duda es si es casualidad, inspiración en la naturaleza o pensaron en ella para plasmarla la proporción Áurea, cosa que por ejemplo en la fotografía parece mucho más complejo y en este caso fruto de la casualidad o bien preparada y a conciencia.

La proporción Áurea relaciona el “todo” con una parte mayor y una menor de la composición cuando dividimos una línea en segmentos, esa proporción se identifica con la letra griega Fi (en honor a Fidias, arquitecto, pintor y escultor griego que la utilizaba en sus obras, como por ejemplo en el Partenón de Atenas).

La más conocida representación es la espiral de Durero o el rectángulo áureo de Euclides que se utilizan en pintura y escultura (y que se puede aplicar en fotografía, aunque es complejo como decía, salvo que preparemos a conciencia la escena siguiendo esas representaciones u otras). Lo más significativo es la proporción áurea que se halla en la naturaleza en numerosos motivos (caracolas, hojas de algunos árboles, en el ancho de las ramas, disposición de los pétalos de algunas flores, etc…), y por esa razón nos resultan tan armoniosas las fotografías que se basa en ella o que la plasman,… y luego esta su relación con la serie de Fibonacci (pero creo que ya os hacéis una idea)…

Espiral de Durero

Nota: Existen Plug-ins de Photoshop para que veamos si nuestras fotografías siguen la proporción áurea.

Hay más "reglas", pero para empezar ya tenéis unas cuantas… las más conocidas.

NOTA: Este post pretende ser un principio muy resumido y liviano para aquellos que empiezan en esto de la fotografía, para nada pretende ser un tratado o un curso sobre la composición, ni mucho menos.

Saludos

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